¿Qué pasa cuando el arte busca otras vías de desarrollo?

La III edición del Encuentro de Artistas en Red afianza el emplazamiento de Cacabelos como un punto de desarrollo cultural, así como la favorable decisión de descentralizar el arte para los tiempos que corren.

Cuando pensamos en encuentros de artistas, ferias o eventos culturales en general, relacionamos su ubicación con grandes ciudades o puntos geográficos estratégicos. Lo que menos pensamos es que un pueblo pueda acoger este tipo de actividades. La conquista de la descentralización del artey su acercamiento a nuevos emplazamientos es lo que brinda el Encuentro de Artistas en Red.

Cacabelos, un pequeño pueblo de unos 5500 habitantes situado en la provincia de León, es el que dará cabida por tercer año consecutivo a esta cita. Para muchos era una localidad desconocida al inicio de este evento, y sin embargo hoy se ha convertido en “un punto periférico del mapa centralizado del arte contemporáneo que ha conseguido sonar en proyectos de ámbito nacional“, en palabras de los propios responsables. Pero más allá de eso, ha demostrado que no es necesario un gran museo, una gran ciudad que enmarquen o afiancen un proyecto, sino que con una buena idea y un buen respaldo en la organización las cosas se pueden llevar a cabo de manera victoriosa. Y así lo demuestra la celebración de

 su tercera edición que tendrá lugar el próximo 11 de julio.

Pero, ¿dónde se celebrará este encuentro exactamente? Pues las paredes que acogerán las diferentes mesas redondas, conferencias y ciclo de performances también son un punto llamativo para esa idea de expansión geográfica del arte. Si bien el encuentro sirve como oportunidad para conocer el panorama actual del mismo, será el Museo Arqueológico del municipio el que reúna a los participantes al encuentro. Sirviendo de guiño a esa relación entre el arte clásico y el actual.

Durante una jornada, Cacabelos acogerá a un total de 80 participantes y varios artistas que tendrán la oportunidad de presentar su trabajo, así como los que den forma al ciclo de performances que cierra el encuentro. Todo ello organizado bajo la mirada del propio Ayuntam

Recuperado:

http://b-sidemg.com/2015/06/encuentro-artistas-en-red-arte/

Can Dagarslani: la figura femenina como poesía visual

El artista turco Can Dagarslani descubrió su pasión por la fotografía en sus largas horas de formación en arquitectura, una disciplina que está muy presente en su estilo junto con la influencia del trabajo del cineasta Jean-Luc Godard.

Ahora presenta su nuevo e inspirador proyecto Identities, una serie de fotografías que explora las similitudes y las diferencias de dos chicas, en un juego de escenas y posturas. Mujeres inseparables, estáticas, posando inanimadas ante la cámara del artista, dejándose llevar a veces delante de paredes totalmente blancas y llenas de luz, y otras, interactuando con objetos con un claro diseño bauhaus. Retratos expresivos de unas mujeres convertidas en poesía.

Esas figuras femeninas, desnudas y en concordancia con el espacio y el surrealismo de la imagen, dan vida a sus fotografías, obtenidas en formato analógico, creando composiciones simétricas en las que, a veces, los dos cuerpos se funden en una sola identidad extrañamente natural. Dagarslani hace un uso racional de la luz natural y los detalles de color en algunos de los objetos que forman parte de la escena, dejando instantáneas que funcionan como fragmentos de una historia que difícilmente podría ser contada en palabras.

Recuperado de:

http://b-sidemg.com/2015/07/fotografia-can-dagarslani-poesia-visual/

Brian Oldham: surrealismo de última generación

El sol de verano en hora punta nos abre las puertas de la madrileña plaza de Callao, en pleno centro de la capital. Nos reunimos con Abel Azcona, un artista contemporáneo cuyos proyectos performativos no dejan indiferente a nadie: sus encierros de hasta cuarenta y dos días sin ningún tipo estímulo sensorial, su ingesta de un corán o su hormonación para prostituirse en Bogotá durante el proyecto La Calle despiertan el interés tanto de la prensa más amarilla como del público que valora el sentido más artístico y menos excéntrico de su obra.

Pero no debemos cometer el error de relegar su arte a un mero espectáculo, a sus 27 años ha expuesto en 21 países y en algunas de las galerías más importantes internacionalmente. Su arte es principalmente íntimo y biográfico, y está alimentado por los abusos que ha sufrido desde pequeño, sus trastornos psicológicos o sus intentos de suicidio. Todo ello ha configurado su identidad artística y personal y ahora os brindamos la oportunidad de conocerlo y reconocerlo.

Abel Azcona aparece en Callao con una elegancia que difiere mucho de la imagen que proyecta durante sus performances, esta dicotomía juega a su favor y alimenta nuestra curiosidad hacia su persona. Antes de nada le describimos como un artista performance y él no duda en corregirnos y hablarnos de la abstracción del término:

“La palabra performance no la entiendo muy bien, yo creo en el artista contemporáneo completo, éste debe ser de todo: docente, fotógrafo, videoartista, performer, twittero, un artista interdisciplinar. Definir sólo una clase se me queda corto. En mis exposiciones puedes encontrar fotografía, videoarte e instalación, lo que pasa es que la base es performativa, porque yo trabajo con mi cuerpo, pero no es únicamente eso. 

El término performance es muy complejo, me parece erróneo porque su traducción literal es actuación, y el performance es precisamente la ‘antiactuación’, ahí está el primer error de base, a partir de ahí se utiliza mal: ves un espectáculo de personas bailando con agua y se le llama performance. Para mí es muy diferente performance que performance art, este último sí que lo entiendo como arte contemporáneo, no tiene nada que ver con el teatro, de hecho es completamente contrario a él 
Recuperado:http://b-sidemg.com/2015/07/fotografia-brian-oldham-surrealismo/

Abel Azcona: “España todavía está llena de ignorancia”

Formada académicamente en la destreza de la ilustración y profesionalmente en el mundo de la escenografía, esta catalana lleva dedicando su tiempo a la pintura y el dibujo desde bien pequeña. Pero hoy vamos a hablar de su pintura, específicamente de la serie Gravitant de la que realizó una exposición el pasado abril en el espacio de Miscelánea (Barcelona).

Estructuras imposibles, juegos visuales o imágenes aparentemente caóticas son las combinaciones de palabras que mejor describen la obra de Cinta Vidal (Barcelona, 1982). Pinturas en las que la artista refleja el mundo en el que vivimos, un mundo que es igual para todos pero que habitamos de formas muy diversas, e incluso, dispares.

Para ello se vale de la representación de espacios y elementos cotidianos, reconocibles por todos. Elementos situados de manera específica, buscando una segunda lectura, una manera de expresar que “a veces la dimensión interna de cada uno de nosotros no concuerda con la estructura mental de los que nos rodean“, como se expone en su web.

Recuperado de:

http://b-sidemg.com/2015/08/pintura-gravitant-cinta-vidal/

Gravitant: estructuras imposibles y juegos visuales de Cinta Vidal

Formada académicamente en la destreza de la ilustración y profesionalmente en el mundo de la escenografía, esta catalana lleva dedicando su tiempo a la pintura y el dibujo desde bien pequeña. Pero hoy vamos a hablar de su pintura, específicamente de la serie Gravitant de la que realizó una exposición el pasado abril en el espacio de Miscelánea (Barcelona).

Estructuras imposibles, juegos visuales o imágenes aparentemente caóticas son las combinaciones de palabras que mejor describen la obra de Cinta Vidal (Barcelona, 1982). Pinturas en las que la artista refleja el mundo en el que vivimos, un mundo que es igual para todos pero que habitamos de formas muy diversas, e incluso, dispares.

Para ello se vale de la representación de espacios y elementos cotidianos, reconocibles por todos. Elementos situados de manera específica, buscando una segunda lectura, una manera de expresar que “a veces la dimensión interna de cada uno de nosotros no concuerda con la estructura mental de los que nos rodean“, como se expone en su web.

Recuperado:

http://b-sidemg.com/2015/08/pintura-gravitant-cinta-vidal/

Tatiana Shkondina: arte realizado con comida

Pintaré con el rojo y con el verde las terribles pasiones humanas”. Si van Gogh interpretaba la naturaleza humana con estos dos colores, Tatiana Shkondina dibuja con alimentos los cuadros de los grandes maestros de la pintura. Los pigmentos rojos y verdes, pasan a ser hortalizas, verduras, carnes o panes en las obras de esta fotógrafa rusa, o más bien, fotógrafa y estilista de alimentos, como numerosos medios la señalan.

¿Comida convertida en piezas de arte? Os preguntaréis algunos. Sí. Shkondina coge los alimentos dejándose guiar por su textura y color, así como por su origen, simbolismo o misticismo, para recrear algunos de los cuadros del mundo del arte que todos compartimos dentro de nuestro imaginario colectivo. Cuadros como Los girasoles de Vincent van Gogh, El hijo del hombre de Magritte, La persistencia de la memoria de Dalí o El árbol de la vida de Klimt, entre otros muchos.

Si bien Tatiana parece presentar una “novedosa” forma de creación artística con el uso directo de los alimentos, basta echar una mirada a la historia del arte para encontrar nombres que de alguna manera hacían uso de esta misma materia prima. Ya en el siglo XIV Archimboldo realizaba retratos de lo más realistas a base de frutas, flores, plantas u otros objetos. Es cierto que este era pintor, y lo que Tatiana nos ofrece son fotografías de los cuadros realizados con comida directamente. Pero si seguimos la línea del tiempo de la historia del arte hacia la actualidad, llegaremos a Daniel Spoerri, artista y escritor suizo, nacido en Rumanía en 1930. Spoerri, salvando las distancias como con todos los artistas aquí mencionados, se acerca un poco más a lo que Shkondina nos ofrece. Y es que sus ‘snare-picture’ juegan directamente con la comida. Son piezas en las que se capturaban diversos objetos, algunas de ellas formadas por los restos de comidas de individuos, incluyendo los platos, la cubertería o los vasos. El concepto es muy distinto, sin embargo la idea primaria del alimento ya está ahí.

 Recuperado de:

http://b-sidemg.com/2015/09/fotografia-tatiana-shkondina-arte-con-comida/

Así funciona el “Shazam” del arte

La aplicación Smartify reconoce las obras de más de 30 museos de todo el mundo completamente gratis.

Gracias a su sistema de inteligencia artificial, Smartify reconoce una pintura, escultura u objeto. Una vez identifique lo que está frente a la cámara, le mostrará toda la información relacionada, desde el nombre de los personajes retratados, por ejemplo, hasta las críticas, comentarios y referencias históricas de la misma. Incluyendo, por supuesto, en qué museo o galería del mundo se encuentra.

La aplicación, que fue diseñada en Londres, está disponible para usarse en 30 museos de todo el mundo, incluyendo el Museo Metropolitano de Nueva York y la emblemática Galería Nacional de Londres, quienes contribuyeron con el contenido oficial de las obras para mejorar la experiencia del usuario.

Recuperado de:https://revistadiners.com.co/artes/51170_asi-funciona-el-shazam-del-arte/

Cinco miradas al arte urbano en Colombia

Algunos no se reconocen como artistas; varios lo hacen pero eligen el anonimato, y otros tantos pintan para exponer en galerías. El arte callejero no solo tiene una mirada, y varios de sus exponentes en Colombia conversaron con Diners para explicarlo.

El origen del grafiti es ilegal, y aun así ha llegado a las galerías de arte (¿convirtiéndose en legal?); puede leerse como un símbolo de contracultura, por sus cualidades irreverentes, transgresoras y que se oponen a lo establecido, pero a la vez hay cuadernos, stickers, moda con estilo grafiti, y el mismo artista que estampa su firma ilegalmente en un edificio, también la dibuja en la parte inferior de un contrato con el Estado (¿convirtiéndose en parte de la cultura?).

Desde la orilla que se mire, la discusión pasará por los mismos debates que comenzaron después de las protestas de mayo del 68 en París, que continuaron en los setenta y remataron con las regulaciones antigrafiti de Nueva York durante la década de 1980. ¿Arte o vandalismo? Si el espacio público es de todos, ¿por qué no puede usarse para pintar?

El arte urbano que llegó a Latinoamérica y especialmente a Colombia en los años ochenta a través del grafiti, comenzó siendo un medio de expresión con importante crítica social, anónimo, mordaz, y funcionó como un mecanismo contestatario frente al establecimiento.

En la actualidad, Bogotá es la ciudad de Colombia con mayor movimiento de artistas urbanos. El año pasado, Bombing Scene, blog especializado en street art, la ubicó en el séptimo lugar entre las mejores 99 ciudades para hacer grafiti en el mundo; además, el diario inglés The Guardian publicó una galería fotográfica con la selección de algunos murales de Bogotá, que calificó como “La meca de artistas callejeros”.

Diners conversó con cinco de ellos, que más allá de ser colombianos y recorrer distintos países pintando, no tienen mucho en común: cada uno representa y brinda una visión distinta del arte urbano en el país.

STINKFISH

“Todo muro es ideal para hacer grafiti”, sentencia desde el interior de un café, Stinkfish, de 37 años, hijo de antropólogos y defensor del grafiti puro, el que raya con lo ilegal. “Nos quieren hacer creer que es bueno hacerlo solo en ciertos espacios, que mientras se haga ahí, está bien, cuando es todo lo contrario. Acá mismo podría pintar, subirme en una silla y escribir mi nombre”, puntualiza.

En sus palabras, una imagen es grafiti solo si cumple con tres reglas: independencia, ilegalidad y anonimato. Sobre la primera dice que aunque suene bonito que el Estado brinde recursos y espacios para pintar, al final significa: “Los controlamos, pintan donde queremos y lo que queremos. No lo juzgo porque venimos de una profesión donde no hay remuneración fija, no hay sueldo. Mi posición no es decir qué no se debe hacer, es más pensar qué se debe
Recuperado de:  https://revistadiners.com.co/actualidad/54262_cinco-miradas-al-arte-urbano-colombia/

PECES DE COLORES, MUSEO REINA SOFÍA MARZO 22 DE 2018@DINERSREVISTA

A medida que pasa el tiempo, su obra adquiere mayor valor e importancia dentro del arte universal, y su estilo único sigue marcando generaciones de nuevos artistas.

Publicado originalmente en la Revista Diners N. 278, de mayo de 1993.

Muy pocos pintores del siglo XX lograron desarrollar un lenguaje expresivo tan propio y tan identificable. A diferencia de Picasso, quien en más de una ocasión fue pionero de diversos periodos de la pintura de este siglo, Miró desarrolló a lo largo de su vida una línea de trabajo muy coherente, en la cual supo plasmar influencias muy diversas, que incluyen el arte románico catalán, la obra arquitectónica de Gaudi, Picasso, el cubismo y el fauvismo, entre muchos otros.

Surrealista más por adopción que por convicción, su lenguaje expresivo nació mucho antes que la proclamación del movimiento en 1924, y logró trascender sin ningún contratiempo el final de esta vanguardia, a la que hizo aportes muy importantes.

Joan Miró,aisaje catalán (El cazador) 1923-24, Museo de Arte Moderno de Nueva Joan Miró, Barcelona.

En sus cuadros expresa un mundo dominado por sus símbolos arcaicos en los que la poesía y el universo de los sueños son protagonistas principales. Allí también caben la ironía, el humor, los temores, en un paisaje aparentemente infantil e irreflexivo, pero que, en realidad, es el resultado de una búsqueda minuciosa del equilibrio entre las formas y los colores.

Miró nació en Barcelona. A los trece años asistió a la escuela local de arte. En su ciudad natal conoció a Francis Picabia, uno de los miembros del grupo dadaísta, y un año después, en 1918, expuso por primera vez en la Galería Dalmau. En 1919 viajó a París, donde se estableció en 1920. Su primera exposición parisina de 1921, en la Galería La Licorne, fue un f

Joan Miró, La granja (1921-22) Galería Nacional de Arte de Washington, Fundació Joan Miró, Barcelona.

Era el año cero del movimiento surrealista y el del comienzo definitivo de su carrera. En los años treinta. Miró expuso por primera vez en los Estados Unidos e inició su llamado período ‘fauvista’. La invasión de Hitler a Francia lo obligó a regresar a España.

En los años 50 su fama era ya universal. En 1954 ganó el Gran Premio de la Bienal de Venecia. Poco después, la Unesco le encargó dos grandes murales para su palacio en París, que Miró elaboró con la ayuda de su amigo Artigas.

En 1956 instaló definitivamente en Palma de Mallorca, en una casa-taller diseñada por el arquitecto Sert un lugar espacioso que había soñado a lo largo de su vida y que marcó un nuevo comienzo en su obra, que dejó de ser tan estudiada y adquirió gran espontaneidad.

Reemplazó la elegante pulcritud característica de su obra más famosa por nuevas formas toscas y arcaicas. Su obra, además empezó a simplificarse. Su objetivo era lograr un máximo de intensidad con un mínimo de elementos.

Se acercó a la obra de Klee, uno de los artistas que más admiró, y hasta final de su vida trabajó activamente en diversos proyectos. Miró siempre fue un catalán que jamás se desligó de sus raíces. Su obra, la de un ciudadano universal.

Recuperado de:

https://revistadiners.com.co/archivo/54844_joan-miro-mas-surrealista/